やまもとのグレーゾーン

札幌の絵描き山本雄基のきまぐれ雑感と日常。


[NEWS]
山本雄基展
板室温泉大黒屋
2025年5月9日〜6月2日

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山本雄基
1981年帯広市生。2007年北海道教育大学大学院修了。現在札幌在住。
重層的な透明層の中に、色の円と色をくり抜く円を交錯させた作品を制作。階層をまたいだ色や形の相互関係や、対立的な物事のあいだを前提にした絵画空間を複雑に展開させる。
第30回ホルベインスカラシップ奨学生(2015)、第5回大黒屋現代アート公募展 大賞(2010)。 主な展覧会に、個展 Duality(N project,大阪/2024)、Under Current(宝龍美術館,上海/2022)、個展 PLACE OF HELLO(Mikiko Sato Gallery,ハンブルク/ 2020)、VOCA展2014(上野の森美術館,東京/2014)、道東アートファイル2013(帯広美術館,帯広/2013)など。


Website:
https://yamamotoyuki.com/

 Instagram:
https://www.instagram.com/yukiyamamoto_studio/ 

X:

naebono art studio
http://www.naebono.com/

インタビュー記事：
golden アーティストインタビュー(2023)

web版美術手帖 DIALOGUE for ART 牧田愛×山本雄基(2023)

板室温泉大黒屋 山本雄基インタビュー(2015)
http://itamuro-daikokuya.blogspot.com/2015/11/blog-post_29.html


(前投稿の続き)


北の美大展(仮)をみてきた。
前投稿で触れた以上はなんか書いておくべきだよな、と思ったので、ざっくり感想を残します。


本郷新記念札幌彫刻美術館館長の吉崎元章さんが自ら名前を出し、なぜ美術館で今展をやるのかの意図を提示し責任を表明されていた。吉崎さんの専門研究内容（札幌美術史を編むスペシャリスト）から考えれば、そうなることの理解はできる。公募枠の貸館事業に対して、館の意向やキュレーションサポートがどのように働き相互作用が生まれたのかは、これだけではわからないことも多かったが、今展をきっかけに発生している吉崎さんとの交流は、彼らに時代を超えた視座を与えているはずだ。
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掲げたテーマ（要約すれば、「美大」のある場と比べて不利な現状においても、環境を前に進めるための機会を創出する）については、展示で深入りしているわけではなく、他校合同の尖っていたり閉塞感を打破したいメンバーが集まった学生選抜型グループ展の要素がメインだった。それでも自発的に他校合同でこの規模のグループ展をやること自体が札幌ではあまり多くない動向なので意義を感じるし、美術表現に真摯に向きあい、同時代の美術への関心も強め、という特徴が際立っていた。



まずその中でひとつ、展示テーマと作品を直接リンクさせている作品があった。武藤遥香さんの作品。（この作品は撮影禁止だったのでキャプションのみ。全作家のキャプションには、マスキングテープでの仮止め演出あり））IMG_0636

自身が普段制作の中心に捉えている、食とキャラクターを掛け合わせた絵画シリーズの小さな作品ひとつが台座に置かれ、その後ろの壁には、自身の学生生活の中で発生した、自作に関する大学教授や同級生との対話をベースにして一部脚色し匿名性を持たせたエピソードテキストと、自身が授業で書いた裸婦デッサンが並んでいた。

 書かれていた教授の指導内容は、端的に言えば表現の自由の否定であり、この現代においてなお、専門の美術教育現場でおぞましい指導が行われていることを認識できる内容だった。

 言われたことに悩みながら、徐々に教授の発言なんて間に受けなくても問題ないことを自覚し、本当に自分が描きたい作品を描くことの覚悟を表明したストーリー仕立てのインスタレーションだ。

 事実上、自身が受けた教育の告発にもなっている。他出展者と違って大学名を隠し、作品写真撮影を禁止にしていることからも、なるべく特定されたくない意図が漏れていた。でも、ここまで書くなら逆に堂々と見せててもよかったのではないか。

そしてこの作品が良い作品になっていたかと言われれば、体験の提示そのものが表現より前にでてきてる面もあり、またその体験は作者本人にとって今後もメインとなるテーマでもなさそうで、すでに乗り越えた問題でもあり、引っかかる部分はある。および、このような悪しき教育は一例であり、札幌全ての美術教育がこのレベルだとは思えない。悪印象に引っ張られすぎると、大学教育全般のみを仮想敵に設定しかねないので、そうではないはずだと注意もしつつ。小さな絵画作品は、イメージも筆致も繊細に作られており、このメインシリーズを単にもっと見たい。

 けれど、本来展示したいものを抑えてまで、（おそらく）今企画趣旨のために構想した作品形式にしてたのは武藤さんだけだった。企画を咀嚼し、体験なんでも作品に取り込もうとする姿勢を感じられたし、ゆえに象徴的な存在になっていた。


その他、特に注目した作家の作品をいくつかピックアップすると、
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平井柊哉さん(札幌大谷大学)は、札幌地下鉄の改札の写真と、札幌の地下鉄ホームにありそうな看板を、行先表示を消した上で再現し、縦に置き、最終電車が発車した後の「終了」の文字が点滅している作品。

聞いた話では彼の大学の卒展では、同じ作品をもっと広い空間の天井から吊るし、終了のブザーが繰り返しなっていたらしい。今回の作品は他作家と狭めの部屋を共有したためかスケールダウンした別バージョンとはいえ、しっかりした看板の造りから現れてくる都市の無慈悲と感情のミックスの巧さを感じた。

平井さんは同じテーマでもう一点大きめのシェイプトキャンバスの作品を出していたのだが、こちらは意図に対して造形の粗さが目立ったものの、意向の違った2作品を同時に展開する創作欲を強く感じた。

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森山美桜さん(札幌大谷大学)は、老いて篭っていく母と子のコミュニケーションを表出させたインスタレーション。

近年美術で扱われることが増えた福祉、ケアの問題にも関わるテーマ設定だ。部屋を訪ねてきた娘がチャイムを鳴らし、母に呼びかけるが、部屋の母からの応答はない。ドアの覗き穴から、娘の姿が見える。すりガラスの窓の向こうにも。そして娘は帰っていく。

ドアと窓は別作品のようだが、娘の移動が両作品でリンクしていた。部屋に閉じこもっているはずの母の視点を鑑賞者は共有することができ、その部屋の側が会場空間に開かれているので、実際に閉じこもって見えるのは外でチャイムをならす娘の方に感じられるという倒錯の表現が面白い。

ドアと窓の箱っぽい物体感が強調されすぎていたり(台座がそれをさらに強調する)、作品が壁から離れていて中の機械類が見えてしまっていたり、演出の工夫はまだまだできそうだった。普段は絵画メインで制作しているようで、今回は特定のメディアから離れた表現の実験でもあるのだろう。

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Rico Iwai×高須悠理さん(札幌市立大学)のサウンドインスタレーション。
コンセプトシート通り、特殊なスピーカーで可聴域外の水の音を水面に向け、振動による波を発生させ、その波にさらに光を当て壁に投射することで映像化させる作品。

ここでもまた部屋の制限がどうしてもあるせいなのか、水の波紋の見せ方をより美しく丁寧にすることで見応えが増幅しそうな内容だった。札幌でこのような傾向の作品が増えているように感じるのは、初回にカールステン・ニコライの作品があった札幌国際芸術祭からの影響も少なくなさそうだ。

いずれも設定した意図や欲求は明確で、現代社会の問題や、既存の芸術とのつながりを意識した上で、あらゆるメディアの可能性を試しながら、表現に挑戦していたように思う。全部は紹介できないが、皆そういうムードを共有していた。
（公式インスタアカウントがあるので、そのうち会場風景はここでみれるようになるのではないか。
https://www.instagram.com/nau.info?igsh=MTRscWltMmtsbXNn）

展示全体の印象を引っ張っていたこれら個々作家の表現に良い感触をもちつつも、 やはり打ち出したテーマを掘り下げた展開を、もっと見てみたかったのも事実だ。
特に、仮想敵として設定しているであろう「美大」への視座や、「北海道の美術教育やアーティスト養成について見つめる場(クラファンの文言より抜粋)」という点については、ほぼ言及されていなかった。

例えば、展示全体を国内「美大」卒制の総本山的展示である五美大展と比べたら、何が浮かび上がってくるのだろうか。僕自身、五美大展を実見していないのでハッキリとは比較できないが、幾人かの知り合い美大生の活動や作品を比較対象にすると、まだその経験値差が感じられることも否めない。

また、事前の話題の拡がり方に比べ、展示そのものはまだ「開いたけど狭い」印象が残った。それは都市成分と地方成分が混ざり合い、ここでのみ完結するコミュニティが作れてしまう札幌で陥りがちな傾向なので、今後なんとか回避してほしい部分だ。近場の問題を、近場の人たちで共有して、近場の人たちで鑑賞しているのみでは、挨拶文の中でも想定していたような、人材・人口の流出先である「美大」への意識は、宙吊りにされたままだ。

実際、メンバー全員による五美大選抜展の現地調査は行ったのだろうか。本来なら卒業の1,2年前に実見しておくのがベストだろう。

想定する「美大」で何がどう作られているかを実見することで、同じ作り手同じ世代の自分たちとの差異が認識できるはずだ。圧倒的な実力差に挫折嫉妬するかもしれないし、同じ道具でもこんな使い方があるのかとか、似たテーマでもこんな表現方法があるのかと発見があるかもしれない。逆に、すごいコンプレックス感じていたけど、見てみたらそんな大差無かった、なんて気づきができるかもしれない。

すでにみんなで見に行っているのかもしれないが、その反映が展示からも直接感じることができれば、企画テーマにさらなる踏み込みができたのではないか。

五美大展鑑賞に限らず、同世代の五美大でも金沢でも京都でも名古屋でも海外でもいいから、内に限らない交流の機会を増やすことでわかることもあるだろう。展示イベントでそういう枠を作っても良かったと思う。

「北の美大展(仮)」を立ち上げる切実さは「美大」周りの人たちには意識しづらい。そもそもそんなことを普段意識する必要すらない中で、彼らが外からどのように羨望の眼差しで見られているかを知ることに、意味はある。
美大生にとっても「美大」を取り囲む権威や文脈に振り回される良し悪しもあるだろうし、違う視点を獲得できる有効性はどこも変わらないはずだ。
僕の思う札幌のいいところのひとつは、都会と地方の狭間、オリジナルとコピーの狭間で、自動的な俯瞰目線とプラグマティックな態度で、国内の状況を咀嚼できるところだ。そういう視点が「美大生」を批評的に捉え得る。


「北海道の美術教育やアーティスト養成について見つめる場」についても触れれば、
高校から大学に上がり、大抵は美術のことなどわからないままで、仮に最悪のケースとして先に取り上げた武藤さんの事例のような教育のみが与えられてしまったとしたら、手探りで自己流の方法論すら認められず、自分の信念を乗せた表現方法や主張に辿り着くための道筋を見出すのは困難だ。

 それとは別に、特に現代領域の、絵画、彫刻、インスタレーション領域の学習のためには、実物をたくさんみる体験がどうしても必要になってくるし、皆で言及・共有しやすく、優れているとされる実物作品は、遠く飛行機に乗った先にある。ものベースのファインアートを学ぶ上で、物理的な距離のハードルは構造問題でもある。 北海道にだって、いいものたくさんあるでしょう！？という意見もあるかもしれないが、それを内から気づくには、一度でも外目線を自身に課すことでようやく成り立ったりするものだ。

飛躍的に効率や認識や経験値を上げるためのジャンプの機会は、「美大」に比べて地方にいくほど限られる。どんな環境だろうと、自分自身でそこを超えていける能力や勘や運を持つ人もいるだろうが、そんなに多くはない。

 「北の美大展(仮)」メンバーが受けてきた美術教育は、そんなジャンプの機会を与えてくれる場としては機能していなかったのだろうか？展示されていた作品からは、上世代からの影響を感じるものもあったが、それが教育機関由来なのか判別は難しい。

 ただ確かに札幌周辺の大学主導で、開かれた美術の場を創出しようとする動きは、以前から大きくは感じない。もともと、札幌の土地柄として他者(他校)に関わっていく「おせっかい心」が全体的に弱いようにも思う。
一方で、SNS等では目立たなくても水面下で、機会の創出を意識して教育を行っている教授陣は少なからずいるだろう。僕自身がここで受けた教育でも体感してきた。

しかし結局展示内容からは、武藤さんの作品以外に実際の教育現場の多様な事例を知ることはできなかった。
教員にだって、財政難や人口減少の影響や、国の方針など、抗えない縛りと向き合いながら工夫を凝らさなければならない実状があるはずだが、怒るにしろ弁明するにしろ表に出てくる教員も今のところ見かけないので、よくわからない、というのが正直なところだ。その辺りが展示で可視化されていれば、問題がより明確になっただろう。

展覧会クレジットの協力欄には、多くの教育機関の名前が並んでいるし、教員の多くは「美大」を卒業している。後援には札幌市・教育委員会も入っている。まとめて関係者を引っ張り出して、対話の機会を作っても良かったのではないか。


とはいえ。
 それこそ学生のうちから、上記のようなことをあらかじめ意識し、実行するのはかなり難しいことも承知している。そもそも彼らは、多感な大学初年度あたりにコロナ禍にぶつかり、縦横の関係が断絶された世代であることも考慮すべきだろう。
なので、当然だが僕のすべての放言は、メンバーの今後の活動も見据えた上でのただの感想に過ぎない、と付け加えておく。

 ジャンプの機会を与えてくれる仲間や場に出会いやすくする場や仕組みが増えるほど、あらゆる可能性もまた開かれる。「美大」との格差の意識を縮められるような仕組み、あるいは差なんて関係なく独自の体系を作りどこよりも面白いことが生まれるような仕組みを、大学内外でも、自分たちでも実装しようとするならば、そこには希望がある。
 今展もすでに、その最初のきっかけの場として機能している。 


僕も同じ札幌、道教大修了生なので彼らの先輩にあたるのだが、学生時代はジャンプの機会を与えてくれる先生、先輩、組織に比較的恵まれていたと思う。アメリカと行き来しながらフルタイムアーティストとして活動してるアーティストの大井敏恭さんの大学の集中講義でチュートリアルを受けたりスタジオビジットに行けたり。道外の同世代の学生作家（当時造形大の先生だったアーティストのO JUNさんが札幌のFree Space PRAHAに持ち込んだ学生バトル展企画「アウトレンジ」に参加し、学生時代の梅津庸一さんや大田黒衣美さんとも一緒に展示できたりしてた。あれは衝撃的な経験だった）との交流もあった。学生として最も参照できるかつ情報が少ない例としては、「あけぼの美術企画」も挙げられる。卒業すぐの若い作家や学芸員が共に展示・企画・イベントを行い、若いアーティストの展示に限らず、野口里佳さんのアーティストトーク、高木正勝さんのライブイベントや小山登美夫さんのレクチャーまで行っていたのが印象に残っている。

強烈なアーティストの姿や生きざまを直接みることで、人はここまでの境地にいけるのか、、みたいなこともわかる。ネット上では掴みきれないことだ。


前記事でも書いたように、挙げればキリがないほど、現在に至るまで、札幌では新たな草の根芸術運動が現れては、続いたり無くなったりが繰り返されている。
しかし、多くの事例があるにも関わらず、具体的にどうやって企画を立ち上げ、メンバーを集め、予算を獲得し、ゲストを呼び、観客を集め、世間に理解を求め、政治に訴えかけ、その質を見極めてきたのか。そういったノウハウの共有、引き継ぎ意識は、まだまだ少ないと思う。また、失敗や反省の検証事例も少ない。

それらを怠ってきたのは、まさしく僕たち諸先輩方の責任が問われるところだと思う。


だから結局また繰り返しになるが、地方問題を前進させる方法論を皆で提示していくのがいいのだと思う。今回の展示を実現させた彼らだけでなく、この地で活動する皆の課題なのだ。

みんな仲良く、とまでは思わないが、あまりに不要な悪態と、それに便乗する若者という不毛さを、それなりに見てきた。派閥を飛び越えて活動してきた方々もたくさんいるのだろうが、そこに批評や質を保った関係が伴って続くのがベターだと思う。それぞれの立場は主張の違いはいいとしても、相手の現実的状況や考えを聞きもせずに、妄想レベルで攻撃批判するということはやめていきたい。そういう人に限ってファクトが大事とか言ったりもする。その自覚は難しい。自戒を込めて、せめて一旦、丁寧に状況把握した上で行動しようと思う。

最近はまさに、同時多発的に徐々にそういう動きがみられるし、良い感じの流れを感じるような気もしている。

そういう流れのエッジが「北の美大展(仮)」のメンバーなのだとすれば、彼らに伝えられることも、教わることも、たくさんあるのではないか。

卒業後の作家活動は、人によってはさらに長いものになる。今回集まったメンバーは今後もずっと問題意識を共有し、切磋琢磨が続く同士になっていくかもしれない。事実、僕も彼らと同じ頃に出会った地元作家との関係は今も続いている。そう考えれば、時間をかけて同じテーマをいくらでもアップデートしていける可能性を感じた。

途中からは僕自身にも向けた課題と主張になってしまったが、それを吐露させてくれた強いきっかけは、この「北の美大展(仮)」の一連の流れと、誰よりも愚直で詳細にレスポンスして問いをなげかけて拡散に一役買った美術家の佐藤拓実さんだ。若手作家が熱い地方、思わず中年作家も熱くなる。

美術家の佐藤拓実くんの、札幌の美大・卒制展・地方での活動に関するブログを読んだ。

卒業制作展の時期になると毎年思い出すこと　こたつ島ブログ
https://kotatusima.hatenablog.com/entry/2025/02/08/卒業制作展の時期になると毎年思い出すこと


渾身の論にまず敬意。
前提の美大あれこれ地方むずむず、および合同学生展の有意義さ、おおむね同意です。


追記すれば、後ろめたさも嫉妬もなく、
・クラファンで他者からお金を集める目的が、自己表現の集合展開催のためになっていること。
・市立美術館を会場に設定していること。（五美大展会場の国立新美はアートセンター）
この2点は、自己顕示に権威構造を利用する意図を内包してて(それでも良いと思う)、ならば発信と同時に作品の質が問われる・問うていくことはむしろ必要なのでは？と僕は思いました。これも、マッチョさの無理強いかつ現実から目を逸らす方便、を表明しているに過ぎないのかな。


またそのアプローチは、地元作家主導ベースで言えば70年代-90年代くらいの世代がやっていたグループ展での発信スタイルに重なってみえます。
その次世代、僕も学生の頃からよく行ってたPRAHAやテンポラリースペースやCAIやS-AIRなど色々な民間組織が批評的におそらく今の彼らと同時期くらいに始めたことは、作品発表だけが必ずしもメインではなく、より広めに設定した芸術のオルタナティブ場で、内外の人や知識の出入りを増やすことでインフラを作り、そこでの教育的機能によって質の意識を地元から変容させる役割を引き受けてました。いずれも、常にどうにもならん地域状況に対するヤケクソ感もあったんじゃないか。ここでのああいう実践、めちゃ凄いことだと思います。


さらに次世代の我々が意識すべきは、
全部じゃないと思うがそれらの場が現在からみればハラスメントの温床になりがちだったこと（いまはもうないあそことかあそことかヤバかったと聞く）や、派閥意識強めで下世代にも影響を与えていたこと、そういう問題も含めて、場を継続する中で自分らの仕組みの中に必ず生まれてしまう逃れられない権威の構造を自覚して咀嚼すること。
そして良い部分を引き継いで自分たちの活動する場＝札幌の美術環境を自分たちで良くしていくこと。お金確保すること。(ほんと金ない。)


その頃から現在まで継続する組織だって今もその辺ずっと試され続けているだろうし、
後にも定期的に新しい動きが起こり続き、そういう流れのエッジのひとつが今回の展示だと思うし、
色々踏まえて今、naebono art studioの運営に関わってる自分がまさに、自身に対しては作品の質重視（それもマッチョ？マッチョて言葉の意味、最近インフレしすぎじゃない？）で、スタジオコミュニティに関しては上記の反省を反映させながら場づくりをやってるつもりで、向いてないながら試行錯誤の繰り返しです。


それぞれやれることはやってきて今があるけど、全体問題の更新は牛歩。
そこ改善するには、小さいコミュニティが時に敵対意識まで持ちながら各々勝手にやってるような状況から、もう少しだけでも世代やイデオロギーを超えて、アーティストだけでなく教育機関も美術館も支援組織も企画者もギャラリーも書き手もオルタナも学生も行政も、この場をより良くしていきたいと思う皆で都度問題点の共有や引き継ぎを意識したり対話しようと試みること。札幌が特になのか他地方も同じなのかはわからないけど、僕含めみんなそこ不得意な気がします。
でも最近は、同時多発的に徐々にそういう動きがみられるし、良い感じの流れがきてるような気もします。


どの世代も同じ壁にぶつかり、それを遠くの人らがフォークロア的まなざしで消費しようとしてきたり、いちいちムカムカもがきながら、この地に根を張ることを選択して、場を繋いでいくことは、ここでやるからこその創造行為だと受け止めたい。


ということで、学生合同卒展の枠組み自体は今後も続いて欲しいし、「北の美大展（仮）」見に行ってみようと思います。


そういえば佐藤くんについては「塔を下から組む」展の時にも書いた気がするが、
彼は純粋に美術表現について向き合っているし、発表したものに対して何度も、何でもいいから感想が欲しい！みたいな表明してるので、
ああ、そうだよな、、、地方での反応の少なさもまた辛いよな、、、と思って、
ついレスポンスしてしまうのである。

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※追記
(Facebookで同文を載せたところ、クラファンと美術館会場への視点に対して質問があったのでその回答も追記する。)

これもまあ主観に過ぎないけれど、
僕は、美術館にはちゃんと権威であって欲しい。つまり、できうる限り本気の常設と企画で良い作品が鑑賞できて思考を揺さぶられる場であって欲しい。そのぶん、何を見せるかはシビアに選別して欲しい。
そういう美術館だから好きだし憧れもあります。抗い甲斐だってあるはず。


となると、美術館が学生展を開催することにそれなりの抵抗感は生まれます。
ひとつ後知りの事実があって、今回の企画は本郷の貸館利用公募に応募したと聞きました。であれば、企画応募に何も違和感はない。そもそも何で貸館枠の仕組みが採用されてるのかはよくわからんのでそこは何も言えず、美術館のジャッジを問える部分でもあります。
とはいえ、やはり美術館展である以上なるべく質の高いものを求めるのは、僕としては当然です。入場料も払わされるし。市民ギャラリーやSCARTSコートを借りて無料でやる有志展示とは前提が異なります。
(ちなみに国立新美術館は英記でTHE NATIONAL ART CENTER, TOKYO、サイトでも自らを美術館ではなくアートセンターと定義してます。それは団体公募展の貸館業務がメインでコレクションを持っておらず、美術博物館の定義と異なるからだと思います。本郷は美術館なので、公募でも出す側選ぶ側のシビアさはあってほしい。）


またクラファン×SNSの掛け合わせ構造って、時に危うさも感じます。そこに「美大がない」という誤読を多発させるキラーワードを投下するって、たとえ修正しててもけっこう時間経ってからのようだし、かなりマズかったと思うんです。お金で応援する人の気持ちをある意味騙してることにもなるから。ここは意図せず発生してしまった権威(悲惨な自分たちの過演出)の悪用と感じてます。ただ修正が入ったことは、自分たちで気づいたのか誰かが指摘したのかわかんないけど、反省の表明だと思うので、学生ゆえの失敗と思えばそれで良いとも思います。だから作品だけでなくその企画文言の質を問うていく必要もあると思います。


で、地方の現実的デメリットは、前述したように学生どころか、40代50代と時を経ても、何ならより色濃くまとわりつくものでしょう。全世代同じ問題を抱えてて、今回の学生の皆さんもここにいる限りこれからずーっと向き合わなければならない。てことは、実状をアピールしたことに一定の意義はあれど、企画展のテーマとしては、特別なものではない。となると、実質の企画内容自体は、尖っている学生仲間の有志作品展、なのでは。


そうなると、まずは作品の質くらい問われないと、美術館と支援者と表現者みんなで、批評が無い無いと言いながら批評を受ける準備はできてない地域のユルさを再生産するだけになっちゃうのでは？と。

(見てきた感想に続く)

自分にとっての芸術の原理とは。

自分が心奪われてきた芸術体験と、いま一度向き合って潜らねば、とか今年は考えていた気がする。

子どもがいま3歳半。この3年で、ひとがどのように世界を受け入れていくのかを家族として観察した。僕の最初期の記憶が2.3歳頃からなので、それ以前のことを子を通してそれなりに理解した。

3歳までは、毎日の生活と芸術体験との大きな違いはなかった（というか世界を知覚することが全時間の全て）と思うが、物凄い観察能力と様々な物事に出会った際の反応差、食べることと遊ぶことの嗜好の中に、芸術体験の原液のような感触はある気がする。

言葉の習得には関係するんだろうか。言葉が世界を規定していく。言葉が、もの、こと、人のこころ、とつながっていく。理解のスピードと習得のパターンの多様さにはもうついていけない。線や色も理解して、それらもすでに言葉とつながっている。

言葉の基本が整った最近になって、かっこいいとかかわいいとかおもしろいとか、そういう反応を記号的かもしれないが使えるようになってきた。

驚いたのが、何かの拍子でダリの記憶の固執を見せたら、息子がこんな反応をした。

「このとけいどうなってんの？木にぶらさがってるね　なんで？ここにもなんかぶらさがってるね。テーブルにもあるね。青いこおりの色みたいだね。あまいのかなあ？ありさんきてるし。ひとの手（絵の真ん中の有機体が手にみえるらしい）がはずれてるみたいだね。手にものってるね（時計が）。台もあるね。」

あれ、もしや絵を鑑賞する準備は整っているのか？生活と芸術に区切れが現れつつあるのかも、いつの間に？いや、描かれた事象の説明ができたり不思議を感じる程度では、それが芸術体験というにはまだ足りないし、そういう感じではなかったように思う。

僕の自意識レベルでの芸術の最初の原体験はハッキリとふたつ。

ひとつは3歳近辺で、UFOをみたこと。別に超常現象を信じたり、ムーを熟読してたわけでもないがこれ本当。今となっては現実だったのか、もしかして夢だったのかあやふやだけど、かなり具体的にその情景が脳の奥底に焼きついてる。

もうひとつは4歳、スーパーマリオブラザーズに触れたこと。細部にいたる世界観全てに魅了され、ひたすら没入した。シュールレアリスムに触れたのはマリオが最初だったと思っている。

どちらも、現実を飛び越えてるかつ、その魅力（＝美？）に堕ちちゃう感じ。言葉以前に、強烈なわけわからなさがあった。それをまだ他人にはうまく伝えられなかった。（言葉で芸術を語ったり、体験を自ら生み出すのはかなり後だったように思う）

自分がそれを体験した年齢に、そろそろ子が重なってきている。もし彼にもそういう原体験がこれから訪れるなら、それを見逃さずにいたい。

しかしそんな自分の原体験はもはや遠く、40代にもなれば、現実の感じ方や受け入れ方における段階の変化を自覚するようになったり、芸術に関わって積もってきた諸々が役立ったり邪魔だったり思うようになってくる。

それでもまだ、今の状況を基として、強烈なわけわからなさをたぐり寄せることができるか、そこに集中したいと思ったところで、

みなさま、よいお年を！

山本雄基　個展
交錯情景
Humarish Club 藝術空間 （澳門路氹溜冰路澳門葡京人L01樓H853 Fun Factory 娛樂廠R68號舖）
2024年11月22日ー2025年 1月5日
12 : 00 – 20 : 00
http://www.humarish.com


5th Anniversary Exhibition「都市と自然/Urban and Nature」
OIL by 美術手帖ギャラリー（渋谷PARCO2F)
Part1：2024年11月15日（金）〜28日（木）
Part2：2024年12月1日（日）〜16日（月）
11:00〜21:00
会期中無休
Part2会期に、新作2点出展してますのでぜひご覧ください。
https://oil-gallery.bijutsutecho.com

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年末感漂うなか、２つの展示が動いております。
今年は美術市場の不況のアオリがここにまで届いているのか、超赤字ではありますが、
そもそもフルタイム決め込んだ時点で、そんな可能性は承知の上でやってるので活動あるのみ。
幸い作品の内容には満足できてるし、展示もいい感じに決まっていると思う。
、、、とはいえやっぱりシビア！
行ったひとほぼ全員絶賛してる国立新美の荒川ナッシュ医、
見ときたかったけど飛行機チケット買う余裕ないっすわ。

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マカオ行ってきた雑感
・カジノホテルの規模、遠くからも目立つ独特のネオン看板夜景、地下鉄ないからタクシー移動増えがち。

・香港からの移動でも毎回パスポートチェックがある。

・まだコンテンポラリーアートのギャラリーやシーンはほぼ無くて、これからその基盤を作っていこうとしているらしい。

・30歳以下の若者世代やアーティストと話した感じ、マカオは街が狭く、思春期には退屈を感じ、進学で外へ出ることを考える。しかし中国はしかしマカオとは全然違う文化なので選択肢になりにくく、香港も最近の諸事情でなかなかシビア、それで英語などを積極的に覚えるのだと。なんとかして海外の大学を狙いたい若者が少なくないらしい。皆、2.3ヶ国語はペラペラで、コミュニケーション力も高く、しっかりしている。日本文化への親しみは強く、ドラえもんやちびまる子ちゃん、ドラゴンボールはTVで見て育ち、リアルタイムで漫画も読み、jpopもリアルタイムで受信してきたらしい。

・マカオと香港は街のマインドがかなり違くらしく、香港は中国と元々敵対的な構造で、返還前から本土を見下してる風潮もあったが、中国経済が上に向いてからは逆に上手に出られたり、返還後のさらなる関係悪化とはよく知られているところ。実際半日香港にも行ってみたけど、明らかに西洋人の比率が減っている。
一方マカオは昔から賭博特別地域のため、もともと中国からの観光客も多く、強いステークホルダーファミリーもいて、経済もほぼそのファミリーが握ってる関係からか、中国とのバランスの取り方が香港よりは安定している。うまいこと自由は確保できつつ、でもマカオだけでは街の規模も小さくて結局すぐつまんなくなるし、GDPが高すぎて住んでるだけで年間10万超のお金が支給されるという羨ましい話もありつつ、悩ましい部分も多々あると。


・タイパエリアの超人工的空間の連続(カジノホテルと巨大モールとがずーっと繋がってる。そういうのがたくさん並んでる)にだいぶ酔った。その真ん中にチームラボ美術館があって、どれ一度くらいは、、、と体感してみたら、更に酔った。


、、、など色々聞いたけど、台湾や香港などと共に、中国の影響力の大きさとそこからくる生活意識みたいな根本がやっぱりそれぞれ違いながらもあり、
その上で日本を考えてみると、これまただいぶ違うものだ、と実感する。

飛行機の中で読んだ、原田マハの「楽園のカンヴァス」、面白かった。
なるほどこういう美術の面白さへの導入もあるのか、、、それこそビジネスマンのためのアート！アート思考を身につける！系の本よりも、身に付く知識としても態度としてももしかしたら有効なのではないかな、、、

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パルコ渋谷のOIL by 美術手帖での展示は、「都市と自然」と題したグループ展で、
僕は自然のグループに入っている。企画の方になんで自作が自然？と聞けば、
乱数を作品に使っているからとのこと。赤瀬川原平がどこかで乱数と自然の関係について書いていたという話も。
そういう誘われ方、嬉しいですね。

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livedoorブログ、スマホでみると本当に不快な広告がデカデカと表示されて嫌すぎる。運営に言っても意味ない。前も書いたかな？
そもそももはやほぼ書いてないし見る人もどこにいるのやらという状況ではありますが、
PCで見ること推奨します。


「ART SESSION by 銀座 蔦屋書店」
会場｜銀座 蔦屋書店内 GINZA ATRIUMほか
期間｜2024年8月30日（金）〜9月2日（月)
〈招待者限定公開日〉
1日目 8月30日（金）16:00〜20:00
2日目 8月31日（土）12:00〜20:00
※両日ともに、17:00〜20:00にご招待者さま限定パーティを開催します。
〈一般公開日〉
1日目 9月1日（日）11:00〜20:00
2日目 9月2日（月）11:00〜20:00
主催｜銀座 蔦屋書店
入場｜無料

[参加アーティスト一覧]
青山哲士／赤池完介／新埜康平／一林保久道／井上魁／井上時田大輔／上野英里／内田涼／内田麗奈／大河原愛／大坂秩加／小田川史弥／小野耕石／片山穣／勝間田万綾／上岡拓也／亀岡信之助／川田龍／斉木駿介／鈴木勁／瀬戸優／高嶋英男／高遠まき／高橋大輔／高屋永遠／辰巳菜穂／津絵太陽／土屋仁応／土屋秋恆／寺尾瑠生／外丸治／内藤京平／中莖あかり／長嶋五郎／永田優美／ナカムラトヲル／西野達／西村大樹／二艘木洋行／林俊彬／平塚篤史／福濱美志保／藤田モネ／藤田勇哉／藤原康博／松岡勇樹／村松英俊／宮山香和／三輪瑛士／山��なつ子／山田啓貴／山本雄教／山本雄基／𠮷田桃子／吉田紳平／米山舞・ヤノベケンジ／渡辺愛子／BIEN／BURUMORI／Chi Zhang／DEADKEBAB／Emilio Gracia／KATHERINE FRANKEN／Gabriel Moreau／HITOTZUKI／Kenta SENEKT／Lee So／Lu Gao／MONA SUGATA／Natsu Yamaguchi／SUGI

コロナ禍から子育てが連続してることもあり、人に会う機会が減ったままの生活。制作と生活でていいいっぱいなので、今はこのくらいでもちょうど良い。
息子が3歳に突入し、先月から幼稚園デビューした。
自由度の高い幼稚園で、なんか園全体がポジティブなエネルギーに溢れていて健全だ。子どもの活力だけでなく、場を作っている大人が物凄く考えて工夫しているからこその健全さ、素晴らしい。
子育ては、人がいろんな経験を通過して言葉とか行動とか自我を獲得していく姿を追体験できることが面白い。
例えば言葉でいうと、
時間に関わる言語の意味が5W1Hの中でダントツに難しいようで、「昨日」が今日より前のこと全てを指しているのを見て、細かい時間軸を頭の中で整理できることってすごいことなんだなと気付かされたり、
「とれる」(取り外すことができる)のことを、「とれれる」と言ってるのを聞いて、意味は理解しているが言い方確かに難しいわ！とか思ったり。
こういう順番とスピードで、言語感覚とそれに付随する世界の知覚は進んでいくのか、、、みたいな気づきが、たくさん見つけられる。
ついでに彼が発する言葉を英語に訳す癖をつければ、自分の英語の勉強にもなるのではと思いつき試してみたものの、
最近は関係代名詞の入る5語以上の文章になってきて、追いつけなくなってきた。英語3歳レベルだった。
一方もちろん面白いばかりでもなく、
超夜型生活から強制的に朝型生活せざるを得なくなり、午前中はずっと頭が冴えないし、
腰は壊れ、風邪うつりまくり、自分の時間が減り、
集中して展覧会を見られなくなったり本読む時間も激減した。
家にいる時間は常に子が何かしらの欲求をぶつけ続けてくるので、家で休んだ気にならない。
まあ次から次へと予期せぬ事態が起こり大変だけど、それ以上に全く新たな視点が得られることの方がずーっと大きい。
それに生活にそういう不条理ムーブが入り込んできても、まだまだ乗り越えがいがあると思える程度なので、私は元気です。
その影響なのかなんなのか、「美術」への情熱はちょっと低空飛行気味で、展示を見に行っても以前ほど興奮しないし、そもそも躍起になって展示を見まくったり情報を集めまくったりしなくなってる。最近見応え感じた展示は遠距離現在くらいかなあ。根本の原因はよくわからない。
とはいえ。
自分の制作に対する意識は変わらずガンガン手も動くし好調、むしろ謎の解放感みたいなのもある。しばらくこの感じでいってみる。

7月13日から大阪のN projectで個展があります！
初大阪展示、新作16点あります。
山本雄基「Duality」
2024. 7/13(土)-8/2(金)
月-金10:00-17:00、土11:00-18:00、
日祝休廊
※初日作家在廊
N project
〒530-0047 大阪市北区西天満5-8-8 2F
ーーーーーー
N project、似た感じの名前の場所もチラホラ思い浮かびますが、昨年からスタートした新しいギャラリーです。
Nは東京でグイグイ拡張してるNUKAGAのNで、大阪のここはまた別ラインで展開しているようです。
大阪での展示は初めてで馴染みないエリアなんですが、なくなった祖父母が戦後大阪から北海道に移住したひとたちで、ずっとありがとうを「おおきに」と言ってたり、関西弁は意外と遠いものではありません。そんなわけでなんとなく気になる場所ではあったので、嬉しいです。
会期中は中之島美とか国立国際でも話題の展示やってたりアート大阪とかもあるので、遠方の方もこの機会にいかがでしょうか。
まだ知り合いも多くないエリアなので、お近くの皆さま、ぜひお誘いの合わせの上、ご覧くださいませ！！！

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「ファンダメンタルズ フェス（2021-2023）」

会期：
2023年12⽉16⽇(⼟)〜27⽇(⽔) 10:00-17:00

会場：

メイン会場｜東京⼤学駒場博物館（東京都⽬⿊区駒場3-8-1 東京⼤学駒場キャンパス内）

交流会場*｜東京⼤学駒場⼩空間（同上）

*交流会場は要申込。26⽇(⽕)・27⽇(⽔)の2⽇間15:30-17:30のみ。

申込：https://forms.gle/T6bTxZqHHuaZ2ihP9 （〆切12⽉25⽇17時）


⼊場：無料

主催 : ファンダメンタルズ プログラム

共催：東京⼤学 ⼤学院総合⽂化研究科・教養学部 駒場博物館

科学技術広報研究会 (JACST) 隣接領域と連携した広報業務部会

東京⼤学国際⾼等研究所カブリ数物連携宇宙研究機構（Kavli IPMU）

助成：公益財団法⼈東京都歴史⽂化財団 アーツカウンシル東京【芸術⽂化魅⼒創出助成】

公益財団法⼈ ⼩笠原敏晶記念財団

協⼒：東京造形⼤学

協賛：特定⾮営利活動法⼈ミラツク

僕は、数学者の巴山竜来さんとのペア名義の新作絵画などを展示します。
3DCGをUVプリントでキャンバス絵画にする実験や、個人名義の小作もひとつ並べました。 


#詳細はファンダメンタルズのウェブページをご覧下さい。

https://www.fundamentalz.jp/post/20231216-fzfestival


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5月に参加した、ファンダメンタルズフェスmini2022＋1(メタバース)
このイベント内でトークイベントがあったのですが、
期間限定で録画の再公開が始まりました。 僕が話したのは
For Beginners—極私的 同時代ならこの3つ 絵画篇｜山本雄基（絵画）
<https://www.youtube.com/watch?v=GHIKgMNnBPc&list=PLKRTUvcRJ1zkKb08o0Ichz3lnZTpQCe7h 

というやつです。
内容は、Laura Owens & 岡崎乾二郎 & 宮本茂、を繋げて話してみました。
時間配分とか語り構成とか一部音声途切れるなど反省も多いけど、
ビギナー向けという前提条件も考慮しつつ注目点とか3つの順番など構成を練って実験心を盛り込んだつもりです！

以下、トーク用に書いたたたき台
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1人目Laura Owens

1970年生
なんで選んだかというと、作品のバリエーションが多くてカラフル、視覚的に楽しめる要素が多く入りやすい、同時に同時代の感覚がよくわかる、21世紀の画家のモデルになる1人だと思ったから。

・デジタルネイティブ
・フェミニズム
・塗りの多技術

ロサンゼルス現代美術館(MOCA)のアーカイブがサイズ感わかりやすい
https://www.moca.org/exhibition/laura-owens-2


ホイットニー美術館のサイトには作品解説も。
https://whitney.org/exhibitions/laura-owens



https://www.owenslaura.com/piece/lo-187/?e=1276

(さる)


初期作品

・かわいい　色も描かれている世界も絵本のような

・塗りの多様さ　薄塗りから厚塗りまで混在

・もっけいからのサンプリング　長谷川等伯とか

観音猿鶴図174.2 cm x 98.8 cm 大徳寺　13世紀


https://www.owenslaura.com/piece/lo-025/?e=1276

Untitled,
1997, Acrylic and modeling paste on canvas, 96 x 120 inches

(カモメ)
 

いろいろあるけどこの初期作品もピックアップ

シンプルで


https://www.owenslaura.com/piece/lo-567/?e=1276

(新聞)


Untitled,
2015, Acrylic, oil, Flashe, and screen printing ink on linen,
108 x 84 inches


家の屋根裏にあった昔の新聞の版を使った。たまたま戦時中の時期の新聞。
現在のツールのイメージや典型的な筆跡との合わせ技。


触覚を誘発してくる。

イメージの突拍子ない合わせ方、引用の幅の広さ。

もっけい、ロートレック、ブラシツール、gif、


それらを大きな画面に描く際の的確さ。

ただイメージを描けば良いのではない。
イメージが絵具の扱いそれ自体とマッチしてて魅力的に映っていたら、僕はびっくりして画面を見続けてしまう。



これだけ作風がばらついている作家でも、何枚も見ていると、誰の作品かなんとなくわかるようになってくる。

文字を見たら誰の字かわかる感覚ってある。ああいうパーソナリティを、絵画も持っている。




2人目

岡崎乾二郎

1955年生
私は抽象画を描いているので、さらに抽象よりの話をしてみたい。

ゴリゴリの抽象画の部類に入る、岡崎乾二郎さんの作品を。

なぜ選んだかというと、ファンダメンタルズを知ったきっかけが初年度の岡崎さんのトークだったこと。抽象画を考える上で僕自身が大きな影響を受けたこと。実際の小さい作品を持っているから説明しやすい。




いろんな作品シリーズの中で、今度は小さいサイズの「ゼロサムネイル」シリーズを見てみる。

https://kenjirookazaki.com/jpn/works



https://kenjirookazaki.com/jpn/works/2014-020

右と左の距たり（たましいは相も変わらず）

2014│アクリル、カンヴァス│24.5×16.5×2.9cm



「Painting」→ 塗りの芸術　ペタペタした感じ

塗り自体が特徴的な、手持ちの作品をライブでみてみる。


触感がすごい。


真ん中でエリアが違うな→色と筆の境界がある

でもどちらにも現れる色の筋があったり

ハジからハジまで伸びてる痕跡が下の層に隠れていたり

透明な下塗りも右左では共通していたり


額みたいなのがなんで上だけ見えてるの？

上だけあることで逆に存在感がある。絵の構図の一部に。非対称。

裏にまで回り込んでる。額というか台座のようでもある。そうすると絵がオブジェにも見えてくる。

一つの木から切り出している。→継ぎ目がないこだわり、安易な造形を避けているような。


左下から2列目、オレンジがめくれているように見えるのどうやってるの？

なまじ絵描きなので、どんな粘度の絵の具をどう塗るとこうなる、というのがある程度はわかるが、この作品はそれがトリッキー。


こう見てると、モチーフがなくても、気になるところがたくさん出てくる。痕跡自体がモチーフの代わりになっているとも言える。

パズルのように考えられるが、解けてスッキリというものでもなく、謎が何周もループする面白さがある。


分断の構造を揺るがすようなアプローチ。現実で分断を感じた時にもフィードバックできそう。


目で触る。視触覚という造語り。



なので、実物の前に立たないとなかなか絵の鑑賞体験を伝えるのは難しい。

今日扱う3つとも自分で直接体験してるものに限っている。



何度も修正したり重ねたり探って探って描いていくと、余計な筆跡が残ったり、絵具のダマができたり、もたついて見える。その葛藤がそのままイメージとマッチすればいいけれど、オーウェンズや岡崎の作品はおそらく、イメージに関しては、そういうもたつきが画面にもしあったらかなり邪魔な要素になる。


抽象画　見覚えのあるモチーフが手がかりにならない→何を描いてるかわからなくて難しく感じる要因の一つ。


わからなくても「色が綺麗だね」などは一つの乗り越え方。


しかし、虹とか夕焼け、宝石とか、色が綺麗なものは世の中にたくさんあるので、それ以上の何かを見出したいと僕は思ってしまう。その際に、まずは画面で起こっている状態を観察するように見ていく。事実がある程度揃ってから、作られたものの周辺の情報や、主観的な判断を加えていく。



3人目

スーパーマリオブラザーズ(1985)任天堂

ディレクターは宮本茂　1952生
 

やはり僕が最も尊敬するアーティストの1人。 

絵画と言っていいのか微妙なラインだが、絵画的な要素はたくさんあるということと、僕の幼少期に人の創造物で最も衝撃的だった作品ということで選ぶ。あと今映画も話題になってるので。スーパーマリオブラザーズ。マリオを絵として(アニメ表現)としてみてみる。


プレイ動画を見る。

ハテナブロックの立体感と点滅。

ブロックの採用　抽象的アプローチの象徴。

ハテナ

→上から叩くと一度だけバウンドする　バネのように→硬いけど謎の質感がある　四隅に成形の窪みあとと、ハテナ記号の立体感→3の謎背景に応用


レンガブロック

→スーパーマリオになると壊せる→少し柔らかい


クリボー
→しいたけ、上からふむと「モフ」とつぶれる→柔らかい


メット、キラー→
ファイヤが効かない、硬い、鉄、光沢


硬度や質感の見立ての表現で触感を与える。

絵の抽象度というか記号度合いが高いので、その分フィクションとしての触覚表現が機能しやすい。


可塑性の話で一貫できる？


事実を細かく感知していくこと、そこから得られたことから分析していく　美術と科学も似てる？


美術は自由に楽しむというイメージが強すぎて、もちろん自由にみてもいいけど、自分の体験を元にすれば、自由にみているだけではめちゃくちゃ曲解したり、美術の面白さにここまでハマらなかったと思う。

 

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